CADENZA CRITICA

Besprechung von Markus Guggenberger

DAS WUNDER DER HELIANE

Oper in drei Akten

Musik von Erich Wolfgang Korngold
Libretto von Hans Müller-Einigen nach dem Mysterium von Hans Kaltneker

Musikalische Leitung: Robert Houssart
Orchester: Orchestre philharmonique de Strasbourg
Chor: Chœur de l’Opéra national du Rhin
Heliane: Camille Schnoor
Der Fremde: Ric Furman
Der Herrscher: Josef Wagner
Die Botin: Kai Rüütel-Pajula
Der blinde Schwertrichter: Paul McNamara
Der Pförtner: Damien Pass
Der junge Mann: Massimo Frigato
Sechs Richter: Thomas Chenhall | Glen Cunningham | Daniel Dropulja | Eduard Ferenczi Gurban | Michał Karski | Pierre Romainville

Die Aufführung von Erich Wolfgang Korngolds „Das Wunder der Heliane“ am 1. Februar 2026 an der Opéra National du Rhin Strasbourg stellte weniger ein Repertoireereignis dar als vielmehr eine ernsthafte musikästhetische Stellungnahme. Dieses selten gespielte Werk, das lange im Schatten der erfolgreicheren „Toten Stadt“ stand, erwies sich in Strasbourg als das, was Korngold selbst in ihm sah: ein konzentriertes musikalisches Glaubensbekenntnis, in dem spätromantische Klangsprache, metaphysischer Anspruch und psychologisches Drama untrennbar ineinandergreifen.

Korngold komponierte „Das Wunder der Heliane“ in einer Zeit tiefgreifender ästhetischer Umbrüche. Während die musikalische Moderne sich zunehmend der Reduktion, der Fragmentierung und der Abkehr von tonalen Zentren verschrieb, hielt Korngold unbeirrbar an einer erweiterten Tonalität fest, die nicht regressiv, sondern synthetisch gedacht ist. Seine Harmonik arbeitet mit einer permanenten Schwebe zwischen Auflösung und Verdichtung; Leitintervalle, übermäßige Akkorde und chromatische Überlagerungen erzeugen eine Musik, die weniger auf Zielgerichtetheit als auf Zustandshaftigkeit angelegt ist. In der „Heliane“ kulminiert dieses Denken in einer Klangsprache, die das Innere der Figuren unmittelbar hörbar macht.

Die Strasbourger Aufführung verstand diese ästhetische Grundhaltung nicht als historisches Kuriosum, sondern als ernst zu nehmende Alternative zur linearen Fortschrittsnarration der Musikgeschichte. Unter der Leitung von Robert Houssart entwickelte das Orchester eine bemerkenswerte Balance zwischen orchestraler Sinnlichkeit und analytischer Durchhörbarkeit. Besonders überzeugend war der Umgang mit Korngolds komplexer Schichttechnik: Holzbläserfiguren, oft als seelische Kommentatoren eingesetzt, blieben klar konturiert, während die weitgespannten Streicherflächen nicht in bloßer Klangfülle erstarrten, sondern atmend phrasiert wurden. Houssart ließ die Musik nicht drängen, sondern vertraute auf ihre innere Spannung – ein interpretatorischer Ansatz, der dem Werk seine Ernsthaftigkeit zurückgab.

Die Wahl einer reduzierten Orchesterfassung erwies sich dabei nicht als Verlust, sondern als interpretatorische Chance. Die strukturellen Linien traten deutlicher hervor, insbesondere in jenen Passagen, in denen Korngold mit quasi-symphonischer Motivarbeit arbeitet. Das Orchester wurde so weniger zum überwältigenden Klangkörper als zum psychologischen Resonanzraum der Figuren.

Im Zentrum der Aufführung stand Heliane, gesungen von Camille Schnoor, deren Interpretation die oft behauptete Unsingbarkeit dieser Partie überzeugend widerlegte. Ihr Sopran verband lyrische Geschmeidigkeit mit der notwendigen Durchschlagskraft für die hochdramatischen Kulminationspunkte. Bemerkenswert war dabei weniger das bloße Volumen als die gestalterische Intelligenz: Schnoor modellierte die Partie nicht als entrückte Symbolfigur, sondern als innerlich zerrissene Persönlichkeit. Gerade in den leisen Passagen, in denen Korngold die Stimme in schwebende Orchestertexturen einbettet, gelang eine eindringliche Verschmelzung von Wort und Klang.

Der Fremde, gesungen von Ric Furman, wurde nicht als heroischer Tenorträger gezeichnet, sondern als fragile Projektionsfigur. Sein Tenor behielt auch in exponierten Höhen eine klare Linienführung und vermied forcierte Effekte. Dadurch gewann die Figur an Ambivalenz: weniger Erlösergestalt als existenzieller Gegenpol zur erstarrten Welt des Herrschers.

Dieser wiederum wurde von Josef Wagner mit dunkler, autoritärer Klangfarbe gestaltet. Seine Stimme besaß jene Schwere, die Korngold dem Herrscher musikalisch einschreibt: lange gehaltene Töne, tiefe Register und eine Harmonik, die häufig in chromatisch verschatteten Regionen verharrt. Wagner machte daraus keine eindimensionale Tyrannenfigur, sondern ließ die innere Leere und Angst hinter der Macht hörbar werden.

Die Botin, gesungen von Kai Rüütel-Pajula, fungierte vokal wie dramaturgisch als vermittelnde Instanz. Ihre klare, fokussierte Stimmführung setzte einen bewussten Kontrast zu den emotional aufgeladenen Hauptpartien und verlieh der Figur eine fast kommentierende Distanz.

Der Chor der Opéra National du Rhin erfüllte seine Funktion nicht bloß als kollektive Masse, sondern als moralischer Resonanzkörper des Geschehens. Präzise Einsätze, ausgewogene Register und eine bemerkenswerte Textverständlichkeit machten deutlich, dass Korngold den Chor nicht als dekoratives Element, sondern als tragendes dramaturgisches Prinzip konzipiert hat.

In philosophischer Hinsicht offenbarte diese Aufführung „Das Wunder der Heliane“ als Werk über die Möglichkeit von Transzendenz innerhalb einer geschlossenen, repressiven Ordnung. Korngolds Musik behauptet – gegen alle historischen Katastrophen, die seinem Leben folgen sollten – die Kraft des Affekts, des Mitgefühls und der radikalen Zuwendung. In Strasbourg wurde diese Botschaft nicht sentimental verklärt, sondern ernst genommen: als fragile, stets gefährdete Hoffnung, die sich allein im Klang ereignet.

So wurde dieser Abend zu mehr als einer Wiederentdeckung. Er zeigte, dass Korngolds Oper kein Anachronismus ist, sondern ein Werk, das unsere Hörgewohnheiten herausfordert, gerade weil es sich nicht dem Diktat der Vereinfachung beugt. „Das Wunder der Heliane“ erwies sich hier als das, was es immer sein wollte: ein musikalischer Grenzgang zwischen Immanenz und Überschreitung – und in dieser Aufführung als ein still leuchtendes Bekenntnis zur Ausdruckskraft der Oper selbst.